Als ich Kayla Cerrones Portfolio zum ersten Mal geöffnet habe, war mir ziemlich schnell klar, dass ich mich damit nicht nur einen Abend lang beschäftigen würde. Seid also gespannt: Ihre Illustrationen werden etwas mit euch machen. Ihr denkt, ihr werft nur kurz einen Blick darauf. Und dann fragt ihr euch auch schon, wie ein gemalter Stein so lebendig aussehen kann. Ein kleines Geheimnis verrate ich euch an dieser Stelle schon mal: Es hat mit Kaylas ganz persönlicher Technik zu tun.

Kayla ist Illustratorin. Sie lebt in der Region Twente in den Niederlanden. 2022 hat sie ihren Abschluss gemacht, kurz danach ist sie vegan geworden, und sie hat eine Entscheidung getroffen, von der man am Anfang einer kreativen Laufbahn meistens abgeraten wird. Statt in möglichst vielen Bereichen zu arbeiten, illustriert sie ausschließlich für Bands und Musiker*innen. Die ersten zwei Jahre hat sie einfach nur die Natur, ihre Materialien und ihren eigenen Arbeitsprozess studiert.

Herausgekommen ist dabei ein Werk mit einer rauen, atmosphärischen Kante. Albumcover für Post-Rock- und Metal-Releases, von Hand und vollständig vegan gemalt. Das Besondere: Die Ausnahmekünstlerin malt im Negativ, Helles als Dunkles und Dunkles als Helles, sodass die Texturen genau dort landen, wo euer Auge sie nicht erwartet. Anfang dieses Jahres hing eines ihrer Gemälde im Rijksmuseum Twenthe, direkt neben zwei Rembrandt-Porträts. Ich hatte die Gelegenheit, sie kennenzulernen und ihr ein paar Fragen zu stellen. Viel Freude mit meinem Interview!

Prints by Kayla Cerrone

Anne: Hi, Kayla! Wie geht es dir heute? Wie war dein Tag bisher? Danke, dass du dir Zeit für unsere Unterhaltung nimmst! Ich freue mich darauf, dich und deine Kunst endlich näher kennenzulernen!

Kayla: Ich bin auch schon ganz gespannt und neugierig auf deine Fragen!

Anne: Du hast deine Vorstellungs-E-Mail mit der Geschichte deines letzten Jahres an der Kunsthochschule begonnen. Damals hast du es dir zur Aufgabe gemacht, alles zu illustrieren, was eine fiktive Band brauchen könnte, vom Albumcover bis zum Merch. Wie eine zusammenhängende Welt. Damals hat es für dich Klick gemacht. Kannst du diesen Moment beschreiben? Wie sah dieses Projekt aus? Bewahrst du es noch auf?

Kayla: Während ich noch nach meinem eigenen Stil gesucht habe, habe ich angefangen, mit Video und Animation zu experimentieren. Damals fiel es mir leichter, mithilfe von Veränderungen im Laufe der Zeit eine Atmosphäre und eine Erzählung zu schaffen. Ich habe gern selbst gebaute Skulpturen gefilmt, aber dann begann ich, das Malen zu vermissen. Ich habe mich entschieden, wieder damit anzufangen, und Collagen aus gemalten Elementen gemacht. Ich habe Musik dazugelegt, um das Ganze zu unterstützen, und daraus wurde die Idee, stattdessen etwas zur Unterstützung der Musik zu schaffen.

Eine einzige zusammenhängende Kollektion für eine fiktive Band habe ich am Ende nie gemacht. Stattdessen habe ich mich in ein paar unterschiedliche Experimente vertieft. Eines davon war "Sol", eine Animation einer roten Sonne, die auf einem See schwebt. Die ist immer noch auf meinem Instagram-Profil zu sehen. Im Rahmen dieser Experimente habe ich auch meinen ersten echten Auftrag gemacht, ein animiertes Gesicht mit sich bewegenden Händen, Augen und anderen Teilen des Gesichts. Ich glaube, kurz danach habe ich gemerkt, dass das etwas war, das es wirklich wert war, weiter zu erkunden.

Anne: Es gibt einige Illustrator*innen, die versuchen, in möglichst vielen Branchen zu arbeiten. Vor allem am Anfang ist das ganz ähnlich wie bei uns Texter*innen. Du hast dich für das Gegenteil entschieden und illustrierst ausschließlich für Bands und Musiker*innen. Wie sicher warst du dir in diesen ersten Monaten, dass das die richtige Richtung war? Und gab es je einen Moment, in dem du daran gezweifelt hast?

Kayla: Ich hatte in meiner künstlerischen Laufbahn das Glück, nie daran zu zweifeln, was ich am meisten wollte. Der ganze Weg hat sich immer ein bisschen wie vorbestimmt angefühlt. Das Einzige, woran ich zweifeln konnte, war also, ob ich es schaffen würde. Das lässt sich nicht vermeiden, wenn man in einem kreativen Feld arbeitet, vor allem als Freelancerin. So wie ich es sah, hatte ich zwei Möglichkeiten. Und eine wichtige Entscheidung zu treffen: Ich konnte entweder breit aufgestellt sein, möglichst viele Menschen erreichen und meinen Kalender mit allem füllen, was mir über den Weg lief, oder ich konnte versuchen, mein volles Potenzial auf eine enger gefasste, spezialisierte Weise auszuschöpfen. Ich habe mich für Letzteres entschieden und die ersten zwei Jahre nach meinem Abschluss einfach nur an meinem Handwerk gearbeitet. Ich habe die Natur studiert, Materialien, meinen eigenen Arbeitsprozess und die Musikbranche. Nicht zu wissen, ob es sich auszahlen würde, war auf jeden Fall stressig, aber ich bin sehr dankbar, dass ich diesen Weg gewählt habe. Mich jeden Tag so sehr auf die Arbeit zu freuen, ist schon für sich genommen alle Mühe wert.

Anne: Auf deiner Website schreibst du, dass "es sich richtig anfühlen muss, nicht nur richtig aussehen". Ich finde diese Unterscheidung wirklich wichtig und auch ziemlich schwer zu erklären. Kannst du mir ein konkretes Beispiel für eine Arbeit geben, bei der etwas fertig aussah, sich aber noch nicht richtig angefühlt hat, und was du ändern musstest?

Kayla: Ein gutes Beispiel ist meine Illustration für das selbstbetitelte Album von Doodbidder. Anfangs war diese Illustration viel grauer, kontrastärmer und insgesamt weniger dramatisch. Sie war vielleicht typischer für das Genre. Aber ich hatte das Gefühl, dass sie so noch nicht ganz stimmte, und obwohl wir uns einig waren, dass die Illustration sehr dunkel sein sollte, habe ich eine hellere zweite Variante hinzugefügt. Ich hatte das Gefühl, dass das zusätzliche Blau und Braun und der dramatischere Kontrast die Illustration auf eine Art dunkler wirken ließen, mit einer stärkeren Präsenz der Doodbidder-Figur. Die Band fand das auch, und so wurde das am Ende die finale Illustration.

Anne: Die Negativ-Maltechnik hat mich beim Lesen deiner Beschreibung wirklich innehalten lassen. Du malst die ganze Illustration umgekehrt, Helles als Dunkles und Dunkles als Helles, und drehst sie dann digital um, sodass die Texturen an Stellen landen, an denen das Auge sie nicht erwartet. Woher kam diese Idee? Und wie ist es, stundenlang an etwas zu arbeiten, das du bis ganz zum Schluss nicht richtig sehen kannst?

"Texturen landen an Stellen, an denen das Auge sie nicht erwartet"

Kayla Cerrone – Artemis in October

Kayla: Das fing vor Jahren an, als ich noch einen billigen Fotoscanner benutzt habe. Die Art, wie er gescannt hat, war ziemlich unschön. Das Licht war hart und er nahm zu viel Textur vom Papier auf. Die Farben wieder auf eine schöne Helligkeit zu bringen, war wegen des hohen Kontrasts innerhalb einer Fläche, die eigentlich eine einheitliche Farbe sein sollte, nicht leicht. Ich habe gemerkt, dass das Umkehren ins Negativ die Illusion von weniger Matschigkeit und mehr Helligkeit erzeugt hat. Seitdem finde ich darin sehr viel Wert, und sogar mit meinen jetzt guten Fotoscans entscheide ich mich immer noch, vieles im Negativ zu malen.

Der größte Reiz liegt, wie du schon erwähnt hast, darin, dass die Texturen an Stellen landen, an denen das Auge sie nicht erwarten würde. Normalerweise malt man, wenn man einen Stein malt, die Schatten. Die Textur ist genau da, wo wir sie erwarten, und wir erkennen sofort "das ist ein Blatt Papier". Dieses unvermeidliche Gefühl kann einen aus der Szene reißen und sie flach wirken lassen. Wenn ich im Negativ male, liegt diese Textur nicht in den Schatten, sondern in den hellen Bereichen. Es klingt nach einem kleinen Unterschied, und das ist es auch. Ich will diese Textur ja, und ich will auch, dass du weißt, dass es Farbe auf Papier ist. Aber wenn diese Textur an ungewohnten Stellen landet, lesen wir die Szene ein bisschen anders. Das ist etwas Feines, Unterbewusstes. Ich glaube, für meine Arbeit macht es die Atmosphäre umhüllender.

Lange an etwas zu arbeiten, ohne es wirklich sehen zu können, ist gleichzeitig stressiger und weniger stressig. Es erfordert viel Konzentration. Ich kann nicht intuitiv arbeiten, sondern muss wirklich im Blick behalten, wo ich gerade stehe, und mir ein inneres Bild machen, statt zu sehr auf das Ding vor mir zu schauen. Aber es hält mich auch davon ab, mich in Details zu verlieren, die ein Bild manchmal vermatschen können. Die leichte Unvorhersehbarkeit gibt dem Ganzen Charakter und wird am Ende interessanter als eine glatte, perfekt vorhersehbare Version. Wenn ich im Negativ male, kann ich leichter einen beherzten Strich setzen und ihn so stehen lassen.

Anne: Du hast erwähnt, dass du dir Notizen machst und Markierungen direkt auf deine Farbtuben schreibst, damit du das Verhalten jedes Pigments gezielt nutzen kannst. Das ist eine so spezifische und fast schon wissenschaftliche Art von Sorgfalt. Kannst du mir von einer Farbe oder einem Pigment erzählen, dessen Verhalten dich wirklich überrascht hat, das dir etwas beigebracht hat, womit du nicht gerechnet hattest?

Kayla: Eines meiner Lieblingspigmente ist Phthaloblau (oder -grün). Wenn man eine Farbe verdünnt, wird sie normalerweise von einer satteren Version zu einer helleren, weniger gesättigten. Phthalo behält selbst stark verdünnt eine kräftige Sättigung, und obendrein hat es noch eine zusätzliche Dimension: Dick aufgetragen kann es nicht nur sehr gesättigt, sondern auch sehr dunkel sein. Es ist ein Pigment, das ein Chaos anrichtet, wenn man es falsch einsetzt, aber wunderschönen Kontrast und schöne Übergänge schafft, wenn man es richtig nutzt.

Ich nutze auch gern gelbes Eisenoxid in Kombination mit anderen Pigmenten. Es ist ein schwimmendes Pigment, das bei viel Wasser auf den anderen Pigmenten landet und so eine interessante Schichtung von Farben erzeugt.

Anne: "Ich mache guten Gebrauch von dem Wald in meiner Nähe." Dieser Satz von deiner Website ist mir im Kopf geblieben. Du gehst dorthin, um Texturen und Formen zu studieren, aber auch, um deine Konzeptarbeit zu machen, weil, wie du sagst, "das Geräusch des Windes in den Bäumen einen großartigen Ort zum Fokussieren schafft". Gehst du mit einer konkreten Frage oder einem konkreten Problem im Kopf dorthin, oder lässt du den Wald entscheiden, was du an dem Tag brauchst?

"Der Wald schenkt mir einen klaren, offenen Kopf"

Kayla Cerrone – Doodbidder

Kayla: Wenn ich einen neuen Auftrag beginne und vollständig verstanden habe, worum es bei dem Release geht, ist der nächste Schritt, herauszufinden, was genau für dieses Release visuell vermittelt werden soll und wie ich das am besten angehe. Dann gehe ich in den Wald, wo die Umgebung neutraler ist. Mein Schreibtisch zum Beispiel trägt immer Assoziationen vom letzten Projekt in sich, an dem ich gearbeitet habe. Der Wald schenkt mir einen klaren, offenen Kopf dafür, wohin das aktuelle Projekt gehen könnte.

Anne: Du lebst seit kurz nach deinem Abschluss im Jahr 2022 vegan. Du hast geschrieben, dass du über Pinsel Bescheid wusstest, dass Papier und Pigmente aber eine Überraschung waren. Kannst du mich durch diesen Entdeckungsprozess führen? Wie recherchierst und überprüfst du, ob ein Kunstmaterial tatsächlich vegan ist, und gibt es Materialien, die immer noch schwer tierleidfrei zu bekommen sind?

Kayla: Es gibt eine Liste auf der Website von Bromleys Art Supplies, die ein sehr hilfreicher Anfang war. Aber nicht alles steht da drauf, und meine Materialbedürfnisse sind sehr spezifisch geworden. Zuerst google ich ein neues Material einfach, und wenn ich unsicher bin, kontaktiere ich die Hersteller. Leider sind die Antworten nicht immer hilfreich. In solchen Fällen suche ich nach einer Alternative. Die größte Herausforderung ist Papier. Es ist nicht leicht, Informationen zu finden, weil es so viele Sorten gibt und die Quellen komplizierter sind als zum Beispiel die von Pigmenten. Zum Glück gibt es da draußen viel wunderschönes veganes Papier, auf das ich mich verlassen kann.

Anne: Du hast dich entschieden, die nicht veganen Materialien, die du beim Vegan-Werden schon besaßt, weiter zu benutzen, bis sie wirklich aufgebraucht sind, aber bei jedem Neukauf gibt es keine Ausnahmen. Das ist eine durchdachte, nachhaltige und ehrliche Haltung. Wie fühlt sich dieser Ansatz für dich an, wenn du jetzt, ein paar Jahre später, zurückblickst?

Kayla: Ich glaube, das war die richtige Entscheidung. Ich habe angefangen, besonders gut auf meine Pinsel aus Tierhaar aufzupassen, in der Hoffnung, ihr Leben so weit wie möglich zu verlängern. Es gibt aber großartige vegane Alternativen, also werde ich sie vielleicht nicht einmal vermissen, wenn sie irgendwann unbrauchbar werden.

Anne: Dein Portfolio bewegt sich durch sehr unterschiedliche emotionale Atmosphären. Bitterlights "If Life Doesn't Kill You, Emptiness Will" liegt in einer völlig anderen Welt als die hellen, fast leuchtenden Farben von "Artemis in October", der Single von Sparkle Glitch. Wie bereitest du dich emotional auf ein neues Produkt vor? Hörst du die Musik in Dauerschleife, oder näherst du dich ihr lieber aus einer konzeptionelleren Distanz?

"Was dargestellt werden muss und was nur für sich allein existieren darf"

Kayla Cerrone – Maybe in Another Life

Kayla: Was ich am Arbeiten mit Musiker*innen liebe, ist, dass ihr Schreibprozess wirklich vielfältig sein kann, und ich versuche, mich darauf einzustimmen. Manche Alben entstehen vor allem aus einer auditiven Perspektive, Konzepte oder Texte kommen erst danach oder fallen ganz weg. Andere Alben kommen zuerst vom Konzept her und werden in Schichten darauf aufgebaut. Ich finde es faszinierend, davon zu hören, und es macht großen Spaß, damit zu arbeiten. Natürlich höre ich immer viel von der Musik des Releases, an dem ich arbeite, aber auch von früheren Releases, um zu sehen, wie sie zusammenhängen. Ansonsten ist mein Fokus jedes Mal ein anderer.

Manchmal finden sich Song- oder Albumtitel auf irgendeine Weise in meiner Arbeit wieder, manchmal visualisiere ich etwas, das noch nicht in Worte gefasst wurde. Ich versuche, im Blick zu behalten, was dargestellt werden muss und was nur für sich allein existieren darf.

Anne: Anfang dieses Jahres hat das Rijksmuseum Twenthe eines deiner Gemälde im Rahmen von "Twentse Gezichten - In het voetspoor van Rembrandt" gezeigt, einem Porträtprojekt als Antwort auf zwei kleine, intime Rembrandt-Porträts. Fast 300 Künstler*innen haben Arbeiten eingereicht, und nur 30 wurden ausgewählt. Das Genre "Porträt" ist so anders als die atmosphärischen Erzählungen, die du für Bands schaffst. Was hat dich an dem Projekt gereizt, und wie war es, in diesem ganz speziellen Kontext ein Porträt zu machen?

Kayla: Ich habe mich entschieden mitzumachen, weil es für mich genau in diesem Sweetspot lag, knapp außerhalb der Komfortzone. Bei meinen freien Arbeiten trainiere ich oft etwas Bestimmtes, und bei Aufträgen muss ich innerhalb der Grenzen des Musik-Releases bleiben. Meine eigene Erzählung zu wählen und an etwas zu arbeiten, das für sich allein funktionieren soll, war eine schöne Herausforderung. Ich war überrascht zu hören, dass ich ausgewählt wurde, vor allem, weil ich dachte, dass ich mit meinem fragwürdigen "Porträt" etwas am Briefing vorbeigegangen bin. Es war eine ziemlich besondere Erfahrung, meine Arbeit neben der von Rembrandt hängen zu sehen, also bin ich sehr froh, dass ich mich trotz meiner Zweifel beworben habe!

"Ich bitte ganz buchstäblich um Professionalität"

Kayla Cerrone – Cicada

Anne: Wir haben 2026, und die Welt von Rock und Metal ist nach wie vor ein Raum, in dem Frauen, trans und nichtbinäre Menschen doppelt so hart arbeiten müssen, um wahrgenommen zu werden. Als Musiker*innen und als Kreative. Du arbeitest mittendrin. Wie fühlt sich das von dort an, wo du stehst, und hat deine Erfahrung als Veganerin, als Aktivistin und als Frau die Projekte geprägt, zu denen du Ja sagst? Was wäre deiner Meinung nach die beste Strategie? Die typische Haltung und die Strukturen von Cis-Männern ignorieren? Immer die Rüstung anlassen, bereit zu kämpfen? Irgendetwas dazwischen? Gibt es Mikro-Feminismen, die für dich funktionieren?

Kayla: In der Musikbranche kann es schwer sein, den Unterschied zwischen fehlendem Respekt und harmloser Unprofessionalität zu erkennen. Und im Fall von fehlendem Respekt ist es schwer zu sagen, woran das liegt. Ich halte es einfach und bitte ganz buchstäblich um Professionalität, wenn mir das Verhalten von jemandem unangenehm ist.

Anne: Wenn es eine Sache auf der Welt gäbe, die du ändern könntest, was wäre das und warum?

"Ich wünschte, es wäre nicht so einfach, das Internet zu nutzen"

Kayla: Ich wünschte, es wäre schwieriger, das Internet zu nutzen. Ich finde es toll, dass wir uns mit Dingen außerhalb unserer direkten Umgebung und unserer sozialen Blase verbinden können, aber so, wie das Internet derzeit aufgebaut ist, richtet es viel mehr Schaden als Nutzen an. Ich glaube, wenn es sehr schwer zu navigieren wäre, würden wir uns nur die Mühe machen, nach Dingen zu suchen, die wirklich einen Wert für uns haben.

Anne: Was steht als Nächstes für dich an? Gibt es Projekte, Releases oder Pläne, über die du schon sprechen kannst?

Kayla: Konkrete Releases kann ich nicht nennen, aber was ich sagen kann, ist, dass ich an zwei spannenden Projekten mit einem etwas anderen Format als sonst arbeite. Sie haben mich gezwungen, etwas größer zu denken und von Anfang an detailliert vorauszuplanen. Ich hoffe, mehr in der Art zu machen, also kann ich es kaum erwarten, bis sie erscheinen!

Anne: Vielen Dank, dass du dir die Zeit dafür genommen hast. Ich habe es wirklich geliebt, dich näher kennenzulernen, und ich hoffe, unseren Leser*innen geht es genauso. Alles Gute für alles, was kommt, und lass uns auf jeden Fall in Kontakt bleiben!

Kayla: Ganz lieben Dank! Ich habe das wirklich genossen und deine durchdachten Fragen genossen! Wir bleiben in Verbindung!

Kayla Cerrone – Sol animation